Oppenheimer hat einen epischen, vielschichtigen Soundtrack

Jun 05, 2023

Komponist und Dozent für Filmkomposition, Sydney Conservatorium of Music, University of Sydney

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Christopher Nolans Biografie über den theoretischen Wissenschaftler Robert Oppenheimer, der als „Vater der Atombombe“ bekannt wurde, hat einen epischen Soundtrack.

Wir verfolgen Oppenheimers frühe Arbeit in Europa, die Gründung des Labors in Los Alamos, die Entwicklung der auf Hiroshima und Nagasaki abgefeuerten Atombomben, seinen späteren Aktivismus gegen die nukleare Entwicklung und deren Auswirkungen auf sein späteres Leben.

Die Musik und das Sounddesign sind entscheidend für die Erzählung dieser dunklen Geschichte.

Ludwig Göranssons Partitur lässt das Publikum in das innere emotionale Dilemma eines Mannes eintauchen, der kurz davor steht, die potenzielle Zerstörung der Menschheit auszulösen, während das Sounddesign Rückblenden, physikalische Phänomene und aufeinander prallende Atome veranschaulicht.

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Der Ton in Nolans Filmen ist typisch laut und fesselnd, begleitet von epischen Musikpartituren. Oppenheimers Partitur bewegt sich vom Sanften und Persönlichen zu einem imposanten Klangspektakel, das die Intensität der Handlung steigert.

Die Violine bildet die Grundlage der Partitur. Vom Eröffnungsstück des Films an führt uns die Fähigkeit der Geige, von einer eindringlich schönen Klangqualität (oder Klangfarbe) über eine kreischende, absteigende Melodie zu einem intimen, flüsternden Ton zu wechseln, in Oppenheimers intensives inneres Dilemma.

Die Geige ist geeignet, einen solch komplexen und intensiven Charakter darzustellen.

Göranssons Partitur stützt sich auf Aufführungstechniken mit einem reichen Erbe aus Film und Konzertsaal.

In Psycho unterstreicht das kurze, scharfe Kreischen der in wiederholten Clustern gespielten Geigen die steigende Spannung. Dies spiegelt sich auch bei Oppenheimer wider: Um die visuelle Darstellung rotierender Atome zu unterstreichen, schichtet Göransson Saitenobertöne in einem eskalierenden Crescendo zitternder Energie.

In Mozarts Requiem (einer Totenmesse) Lacrimosa fühlt sich die eindringliche Einfachheit der von den Violinen gespielten Eröffnungsmelodie rau an und zieht den Zuhörer sofort in ihren Bann. Als die Wissenschaftler hier von der Bombardierung Japans erfahren, spielt die Violine eine zwei- Melodie notieren. Diese einfache Komposition bringt die Ungeheuerlichkeit der Situation zum Ausdruck.

Die Geige ist ein bundloses Instrument, das traditionelle Spieltechniken wie Harmonische und Vibrato ermöglicht.

Harmonische sind Obertöne, die Sie hören, wenn Sie Ihren Finger sanft auf die Saite legen und mit dem Geigenbogen spielen. Wenn Sie die Saite nicht bis zum Griffbrett drücken, vibriert die Saite auf beiden Seiten Ihres Fingers und erzeugt einen Pfeifton.

Unter Vibrato versteht man die winzigen Tonhöhenschwankungen, die durch das Hin- und Herschwenken des Fingers am Handgelenk oder Arm entstehen, um beim Spiel Wärme und Ausdruckskraft zu erzeugen.

In dieser Partitur verwendet Göransson auch nicht-traditionelle Techniken wie das Klopfen oder Schlagen des Geigenkörpers mit dem Bogen.

Wenn diese traditionellen und nicht-traditionellen Spieltechniken kombiniert werden, entsteht durch die Gegenüberstellung eine Spannung zwischen den warmen und spröderen Klangqualitäten der Violine.

Eine Szene im Klassenzimmer veranschaulicht die lyrische Klangqualität von Geigen, die sich in Zahlen aufbauen. Wenn Oppenheimer allein ist, spielt eine Geige. Als sich ihm drei Personen anschließen, beteiligen sich drei Geigen an der Komposition. Während sich der Klassenraum füllt – und seine Begeisterung für das Gespräch über Quantenphysik zunimmt – steigert sich das Spiel des gesamten Orchesters.

Die Geigen wechseln zu gespannten Saiten und spielen verschiedene Rhythmusmuster und Spieltechniken. Diese verbinden sich mit elektronischen Instrumenten, die musikalisch zwischen Hoffnung, Angst und Verzweiflung schwanken.

Im weiteren Verlauf der Szene ertönen die Hörner als Warnung vor der bevorstehenden Zerstörung.

Göranssons unerbittliche Filmmusik ist in rund 2,5 Stunden des dreistündigen Films zu hören. Die Orchestermischung aus Klavier und Harfen begleitet die Klänge aus Oppenheimers Welt. Stampfende Füße, pulsierende Synthesizer, tickende Uhren und die elektrische Statik von Geigerzählern erzeugen eine Klangwelt voller Spannung, Angst und Vorfreude.

Göransson verwendet rhythmische Techniken wie Triolen – wenn drei Noten im Raum von zwei gespielt werden –, um die Intensität zu steigern und während des Trinity-Atomtests eskalierende Kreuzrhythmen zu erzeugen.

Die Saitenschichten, die harmonische und rhythmische Muster spielen, nehmen an Intensität zu, um den Eindruck von Schwungaufbau zu erwecken. Diese Techniken erzeugen ein Gefühl der Aufregung, verstärken die Dramatik und bauen Energie auf.

Die Musik steigert sich bis zum Moment der Stille, wenn der Knopf gedrückt wird: Es gibt kein Zurück mehr.

Das Verstummen der Partitur ist ebenso wichtig wie die Musik selbst.

Wenn Oppenheimer seine Rede nach dem Abwurf der Bombe auf Nagasaki und Hiroshima hält, folgt auf jeden chauvinistischen Kommentar zunehmender Applaus und Lärm. Als der Ton plötzlich verstummt, bleiben uns seine leeren Worte.

Wenn der Film nur den „nackten“ Klang der Welt auf der Leinwand zeigt, spüren wir den Ernst der Lage.

Wenn wir in Erwartung einer Musikpartitur dynamische Steigerungen erleben, steigt unser Dopaminspiegel auf natürliche Weise an. Plötzliche Stille schafft Momente intensiver Konzentration. Der Kontrast zwischen der Fülle des Orchesters und der Stille lässt uns in die Welt eintauchen. Wir erleben eine emotionale Befreiung.

Die Stille versetzt uns in ein Gefühl schwebender Zeit: eine fast ohrenbetäubende Erinnerung an die Menschlichkeit durch die Verwendung naher und intimer menschlicher Geräusche. Es ist eines der wirkungsvollsten Merkmale des dreistündigen Films.

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