Jaimie Branch: Fly or Die Fly or Die Fly or Die ((Weltkrieg)) Albumrezension

Jun 27, 2023

8.5

Von Andy Cush

Genre:

Jazz

Etikett:

Internationale Hymne

Bewertet:

28. August 2023

Mitten in „Burning Grey“ aus ihrem wilden dritten und letzten Album Fly or Die Fly or Die Fly or Die ((world war)) gibt Jaimie Branch eine Ermahnung heraus, die als ihr künstlerisches Leitbild dienen könnte: „Vergiss es nicht kämpfen." Ob sie ihr Fly or Die-Quartett leitete oder als produktive Kollaborateurin in verschiedenen Szenen und Städten arbeitete, die Trompeterin, Komponistin und Sängerin, die letztes Jahr aus ungeklärten Gründen im Alter von 39 Jahren starb, machte Musik aus einer Position freudigen Trotzes.

Ihr Hintergrund lag im Jazz, aber sie hatte wenig Rücksicht auf vermeintliche Genreunterschiede und griff auf die synkopierten Rhythmen lateinamerikanischer und karibischer Musik, die melodische Klarheit von Volksliedern, die wirbelnden Texturen von Psychedelia, die Abstraktion freier Improvisation und die Prahlerei der Hüfte zurück -Hop, der Faustkampf des Punkrocks. Ihr Engagement für jede Note ließ diese Verbindungen zwischen verschiedenen Kanons nicht nur plausibel erscheinen; es ließ die Vorstellung ihrer Trennung absurd erscheinen. Ein solcher Stilagnostizismus birgt Risiken. Für den begeisterten Amateur kann es ein Zeichen mangelnder Konzentration sein; für den leidenschaftslosen Profi die Überzeugung, dass Redewendungen Übungen sind, die man auswendig beherrschen muss. Für branch, deren vollendete technische Fähigkeiten niemals ihrer puren Leidenschaft im Wege standen – oder umgekehrt –, ist es einfach ein Beweis für die Überzeugung, dass alle diese scheinbar unterschiedlichen Zweige vom selben Baum wachsen. Und wie sie und ihre Mitarbeiter auf ((world war)) demonstrieren, liegt ihm der Wille zu kämpfen, zu tanzen und zu überleben zugrunde.

Als sie starb, war der Weltkrieg fast zu Ende. Ihre Familienmitglieder und Bandkollegen konsultierten ihre Notizen, um Details wie Mixe und Titeltitel vor der Veröffentlichung festzulegen. Unter diesen Umständen ist es verlockend, das Album als Requiem oder als großes Finale ihrer kurzen, aber wirkungsvollen Karriere zu hören. Seine Struktur, die mit einer heroischen Fanfare von Pauken und elektrischer Orgel beginnt und mit einem Trauerklagelied endet, entmutigt diese Interpretation zunächst nicht. Aber beim weiteren Zuhören fühlt es sich weniger wie ein Ende an, sondern eher wie ein Aufblühen, das grausam abgebrochen wird. Obwohl die Hörer von Branchs früheren Aufnahmen mit Fly or Die keine Probleme haben werden, ((world war)) als das Werk derselben Bandleaderin zu erkennen, werden sie vielleicht auch von der Anzahl neuer Wege beeindruckt sein, die das Album in ihrer Musik eröffnet.

Ideen, die in früheren Aufzeichnungen am Rande auftauchten, nehmen nun eine zentrale Stellung ein. Die vom Calypso geprägten Dur-Melodien, die bei „Simple Silver Surfer“ aus „Fly or Die II“ wie ein Spaß wirkten, erreichen im neunminütigen Herzstück von „baba louie“ ((Weltkrieg)) nahezu symphonische Ausmaße. Branchs rauer und vehementer Gesang, der auf dem ersten Fly or Die-Album fehlte und auf dem zweiten versuchsweise vorhanden war, ist eine treibende Kraft des dritten. Sie ist definitiv keine Jazzsängerin, zumindest nicht im herkömmlichen Sinne: Sie schreit, fleht, heult wortlos und singt sogar eine Art Country-Song. Die Texte bevorzugen überwiegend Pragmatismus gegenüber Poesie und rufen klar zum Widerstand gegen den Status quo auf. Wie frühere Fly or Die-Alben hat ((world war)) oft das Gefühl einer lauten Blockparty. Als Zeremonienmeister lässt uns branch nie vergessen, dass im Zusammenkommen und Loslassen nicht nur Flucht, sondern auch Solidarität zu finden ist.

((world war))s auffälligste Abkehr von Branchs früheren Werken kommt in „The Mountain“, dem oben erwähnten Country-Song, einer Neubearbeitung von „Comin' Down“ der Twang-Punks Meat Puppets aus Arizona, die drastisch und inspiriert genug ist verdient seinen neuen Titel. Im krassen Gegensatz zum Rest des ausgelassenen Maximalismus des Albums besteht die Instrumentalbegleitung fast ausschließlich aus Jason Ajemians Pizzicato-Kontrabass. Ajemian singt die Hauptrolle und Branch harmoniert. Keiner von beiden ist ein virtuoser Sänger, aber es geht nicht um Auffälligkeit. Der Text über die unruhige Suche, die alltägliche Mühe, Monotonie und Missverständnisse zu überwinden, profitiert von der Bescheidenheit ihrer Darbietung. Die Aufnahme ist so spärlich und ungepflegt, wie es nur sein kann: Wir hören kollektive tiefe Atemzüge, ein wenig Murmeln von Ast, um sich aufzumuntern, und den Klang der beiden Musiker, die sich körperlich um das Mikrofon bewegen. Angesichts des schlichten Arrangements ist Branchs Trompetensolo gegen Ende des Liedes eine entzückende Überraschung, selbst auf einem Album eines Trompeters. Die Schlichtheit des Solos hat etwas Unbeschwertes und Unbekümmertes, vor allem der einfache Drei-Noten-Lauf, der den emotionalen Höhepunkt bildet und an einer Stelle kommt, an der ein anderer Spieler eine eindrucksvollere Geste hätte versuchen können. Seine Selbstsicherheit und seine Weigerung, sich den Vorstellungen anderer über Vorzeigbarkeit zu beugen, erinnern an die Baseballkappe, die Branch oft auf der Bühne trug.

Die stille Intimität von „The Mountain“ ist die Ausnahme auf einem Album, das ansonsten von jubelndem Ensemblespiel geprägt ist. Ein einfacher Bezugspunkt ist Miles Davis‘ elektrische Musik der 1970er Jahre: avantgardistisch und populistisch zugleich, getreu der Gewissheit, dass selbst die komplexeste Dissonanz leicht untergeht, wenn sie auf einen ausreichend guten Groove eingestellt ist. Während sich Davis vom robusten 4/4-Takt von James Brown oder Sly and the Family Stone inspirieren ließ, bevorzugt Branch die schlüpfrigen Polyrhythmen von Reggaeton und Dancehall. Wie Davis ist sie der klare Star der Show, wenn sie ihr Horn in die Hand nimmt, aber sie weiß auch, wann sie sich einsetzen muss und konzentriert sich stattdessen darauf, die Sturmgewalt ihrer Begleiter zu leiten und zu dirigieren.

Ajemian und Schlagzeuger Chad Taylor spielen, als ob das Schicksal des Universums von ihrer Fähigkeit abhängt, Sie zum Tanzen zu bringen. Der Cellist Lester St. Louis wechselt zwischen den Rollen, in einem Moment trägt er zum unaufhaltsamen Aufruhr der Rhythmusgruppe bei und im nächsten Moment entfaltet er melodische Leads oder Sul-Ponticello-Geräuschwirbel. An einem Punkt des „Borealis-Tanzes“ steigt er durch eine Reihe anhaltender Einzeltöne auf, wobei die zunehmende Hektik seiner Verbeugungen eine fast unerträgliche Spannung gegenüber der gesprächigen Ruhe der Trompetenlinien von Branch erzeugt. Das Ensemble funktioniert oft so: Während der eine wie verrückt shreddet, bleibt der andere cool. Es ist Teil dessen, was ((world war)) so dynamisch wirken lässt und der Musik trotz ihrer instrumentalen Dichte und Vollgas-Tempi Raum zum Atmen gibt. Innerhalb der größeren Flugbahn jedes Stücks gibt es viele kleinere, überlappende Bögen der Aufregung und des Niedergangs, die jeweils der Chaoslogik einer improvisatorischen Gedankenverschmelzung von vier Personen folgen.

Die wilde Kameradschaft der Improvisationen ist so stark, dass man leicht übersehen kann, mit welcher Sorgfalt und Sensibilität Branch diese Melodien komponiert und arrangiert hat. Themen wiederholen sich unerwartet; Ehemals duellierende Stimmen gleiten ohne Vorwarnung in ein choreografiertes Tandem. Die längeren Stücke neigen dazu, einer groben A/B-Struktur zu folgen, mit einem Ausbruch körperbewegender Energie, um sie in Schwung zu bringen, und einer Wendung in ein aufregenderes Gebiet, um sie zum Ziel zu bringen. Bei „Borealis Dancing“ schaltet die Band im Handumdrehen in die kopfnickende Halbzeit herunter; In „Baba Louie“ verschmilzt Calypso schließlich mit gespenstischem Dub. „take over the world“ beginnt mit einem Dembow-Rhythmus, gespielt mit der verwirrten Wildheit des Hardcore; In Branchs stotternder Absichtserklärung „Take over the world/And Give it back to the Land“ wirkt die Fusion aus Punk und karibischer Musik wie Bad Brains, wenn sie sich mehr auf die Tanzfläche als auf den Moshpit konzentrieren würden. In der zweiten Hälfte übernimmt Taylor einen mühelos funkigen Snare-Drum-Groove im New Orleans-Stil, St. Louis beginnt, eine eindringliche Zweitonfigur auf seinem Cello zu beugen, und ein Verzögerungspedal verwandelt Branchs Stimme in immer fremdere Formen. Die Rhythmen halten die Musik in den Traditionen der afro-karibischen und lateinamerikanischen Diaspora verwurzelt, und die elektronischen Verrenkungen schicken sie in eine imaginäre utopische Zukunft.

Musik aller Art erlitt mit der Schließung der Branche im vergangenen Jahr einen erheblichen Verlust. ((Weltkrieg)) ist ein wertvolles Dokument ihres künstlerischen Schaffens am Ende ihres Lebens und ein Blick darauf, wohin sie es als nächstes hätte führen können. Noch wichtiger: Es ist eine Freude, es zu hören, und eine Erinnerung daran, dass der Kampf für eine bessere Welt ein schönes und lohnendes Unterfangen ist, trotz der vielen kraftvollen Stimmen, die täglich daran arbeiten, uns vom Gegenteil zu überzeugen. Branch hat bis zum Schluss den guten Kampf gekämpft.

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